Tinta de arena

CAMINAR (o así somos a veces)

2011-10-30T12:47:00.001-07:00

A veces piensas que debes dejar de pensar. A veces te gusta caminar en la circularidad de un parque. A veces miras hacia la noche y ubicas una enana blanca. A veces te abrazas en tu soledad y duermes con la esperanza del desvanecimiento. A veces odias al mundo y sus trivialidades. A veces crees en la evolución y su apuesta por la raza humana. A veces te dan ganas de gritar. A veces no dejas de reír. A veces crees haber dado con respuestas. A veces solo te enredas con los acertijos. A veces te da por la valentía. A veces te arrepientes de los atrevimientos. A veces extrañas el enamoramiento. A veces solo deseas. A veces te desean y tú no. A veces te quedas con las ganas. A veces te gusta alguien. A veces te da miedo que te guste tanto alguien. A veces se gustan los dos y la historia queda inconclusa. A veces crees que ya no sentirás. A veces crees que sientes de más. A veces recuerdas haber pensado que encontraste el amor. A veces y no solo a veces, sino muchas veces, crees que es un problema del sexo opuesto. A veces sabes que es de ignorantes generalizar. A veces solo quieres jugar. A veces no quieres nada. A veces sientes la culpa de haber lastimado. A veces recuerdas que te han lastimado de igual forma. A veces dices que no quieres nada y así estás bien. A veces te entienden y a veces no. A veces eres una constante de contradicciones. A veces eres un libro abierto. A veces te decides por el misterio. A veces prefieres todo menos a las personas. A veces quieres estar en compañía. A veces despiertas de lo ordinario. A veces buscas eso más. A veces resientes la vacuidad. A veces la plenitud no te cabe. A veces crees en algo y a veces lo desdices. A veces piensas en primera persona y a veces en plural. A veces odias los cambios, a veces aceptas su inevitabilidad. A veces quieres abarcar muchas cosas, a veces te agobias por no poder realizarlas. A veces te quieres comer el mundo, a veces te percatas de sus dimensiones. A veces piensas en el universo y te da vértigo. A veces no te preguntas nada. A veces quieres correr. A veces solo quieres estar. A veces recuerdas que existen las leyes del movimiento. A veces piensas en la velocidad de la luz pero no te dan las piernas. A veces te quitas los zapatos y tu planta del pie te dice que el suelo está frío, que no se mueve.

A veces caminas.

EN EL PISO DEL UNIVERSO

2011-10-26T13:54:00.000-07:00

El mundo se incendia: la magma nos envuelve con celeridad y sin embargo, miles de cabezas yacen en los satélites de sus propios mundos. La Teoría de las cuerdas es propia de cortezas cerebrales únicas. Algún día caeremos y nuestro peso doblegará lo que alguna vez Newton formuló: gravedad.

La Tierra en el piso del Universo.

La gran colisión que vendrá.

A lo mejor, y solo así, la Tierra será el Sol de su propio sistema y le quitaremos la razón a los primeros heliocentristas: quemémoslos con sus argumentos apócrifos. Que se revuelquen dos veces más en sus tumbas célebres.

La Tierra será inamovible de nuevo, el sistema aristotélico regresará.

Tampoco habrán sobrevivientes.

El caldo primigenio, una vez más.

Sobre esto, sobre aquello y sobre eso otro

2011-10-05T20:45:00.000-07:00

Sobre, encima de, sobre algunas cosas y otras algunas apiladas en la ambigüedad, los altibajos y la curiosidad. Sobre el despertar del teclado y el polvo entre las letras, sobre la hoja incolora y sus sintagmas enmascarados con a-ante-con-contra-de-desde-en-entre-hacia-hasta-para-por-so-sobre (las demás caretas andarán desaparecidas con un adverbio, seguramente). Sobre el cielo y su orquesta de cámara: evaporación, condensación y precipitación, sobre sus agujas de hidrógeno y oxígeno que envenenan: ojos de mercurio, cuello de plomo. Sobre las partículas insolubles de los charcos, sedimentos tapa cloacas. Sobre el lodo, las inundaciones y el hedor de la lluvia en una ciudad tan llena: ciénagas de metano donde alguna vez olió a tierra húmeda. Sobre el cloropasto, el núcleo, la vacuola, el aparato de Golgi y las mitocondrias. Sobre la metafase, anafase, telofase y las láminas descriptivas de las clases de Biología. Sobre las celdas funcionales de cualquier ser vivo y sobre cómo lo esencial en efecto, es invisible a los ojos, aunque no al microscopio. Sobre la ansiedad, el tedio y los fantasmas que cruzan los cuartos; sobre ese sentido ignorado que si se le despierta creará ensoñaciones aterradoras. Sobre querer despertarse sin poder, sobre escuchar voces en habitaciones desiertas, sobre las sombras ocultas detrás de las ventanas que vendrán por uno y sobre los ruidos de la casa porque está viva. Sobre los eventos extraordinarios, los comunes y los que, aunque pendan entre ambos, logran traer de vuelta a la ansiedad que provoca el mundo; sobre la anchura de éste y la angostura de uno mismo. Sobre las horas que las piernas le dedican a una silla, sobre la inmovilidad de los espíritus, sobre la rotación de la Tierra y el sistema androcéntrico que rige a cada hombre. Ptolomeo, Copérnico y Galileo. Sobre los hallazgos, sobre los descubrimientos accidentados, sobre la energía acumulada, sobre las ideas hiladas con una preposición. Sobre algunas cosas que pasan por aquí y se van. Sobre las cosas que dan por escribir solo porque hay necesidad de-desde-en-entre-so-sobre.

DESÁNIMO CREATIVO

2011-08-03T21:21:00.000-07:00

Recuerdo que alguna vez, hace un par de años, en alguna de aquellas épicas noches de caguamones, cofres abiertos y una grabadora portátil que reproducía el mismo disco una y otra vez, algún aspirante a escritor -como el resto de nosotros- pensaba que la creatividad nacía de algún estado negativo: tristeza, depresión, ansiedad, decepción, abandono; todas aquellas variantes que derriban cualquier ánimo. Algunos estaban de acuerdo y algunos otros no.

Yo estaba en medio aquella vez: hoy saco conclusiones.

Rebobino: los destellos de creatividad siempre me vienen después de algún diluvio, tormentita, agüacero, lluvia o huracán. No importa la magnitud. Cuando las cosas están peor, la necesidad de explotar en una tremebunda catarsis me hace querer tomar un lápiz y una hoja para rayar, maldecir, hilar oraciones, unir puntos. No hablaré de resultados pero la creatividad ha sobrevivido en esos casos omo una ramita de olivo en el pico de una paloma.

Estos últimos dos o tres meses destrozaron mis mejores ánimos; una bruma espesísima de deberes y obligaciones, de batallas perdidas, del cansancio exprimido. Hoy lo digo: apenas comienzo a recuperar algo de mí; lo repito: abandoné las cosas que más quiero. Pero si algo hallé fue el leit motiv de eso que llaman creatividad.

Sí, nació del desánimo.
Una vez más: del desánimo.

E L D E S Á N I M O S E P U S O D E C R E A T I V O

Sobre la Nostalgia

2011-06-04T11:44:00.000-07:00

Nostalgia, una dama venática: ella y las torres, las hordas bárbaras, el gigante con brazos de molino y la fantasía de un caballero.

Luego, estambres infértiles, pistilo cerrado. Llegó Tempus, el sensato, quien tomó la corola de Nostalgia y la desnudó.

Eres hermosa, le dijo.

Ajó los pétalos, los polvorizó bajo sus pies; besó sus senos, la penetró incontables veces: quédate aquí, en el presente, regresa. Para hacerlo tendría que cambiarme el nombre, lo sabes.

Ella, ahora la desnombrada, miró hacia el cielo limpio de nubes y concentró todos sus sentidos en las contracciones musculares. Después, ya sosegada, quiso exhalar los restos del pasado, pero de su nariz no salió ni una sola reminiscencia.

Tempus la abrazó al notar su desconcierto, aunque él ya sabía que su memoria era la aferrada, no su corazón. Ella lo comprendió así y con una sonrisa enterrada en el pecho de él, le dijo: quiero llamarme Serenitas.

Serena, tú, entonces.

Experiencia MOR-REM

2011-04-19T19:00:00.000-07:00

Despertó. El peso de la cama se cargaba hacia un solo lado. Aquellos murmullos que escuchó en sueños no desistían de su sistema nervioso. Ella les preguntó: ¿dónde está?, ¿saben algo de él? Ellos respondieron: ¿Quién? no, no sabemos nada.

Al momento, su garganta le envió un mensaje salobre a las pestañas: tanto tiempo juntos y las voces no podían decirle dónde estaba; inclusive peor, quizás ya no lo recordaban. Inaceptable la desaparición sin un te quiero, sin un adiós cuando un día, él le regaló para siempre.

¿Dónde estás?, ¿por qué te fuiste?

Ella extendió su brazo hacia la otra almohada para comprobar que en la habitación sólo estaban los murmullos: ecos prolongados en sus párpados que volvieron a cerrarse y la devolvieron al sueño. Entonces se confundió:

Las voces, que ya no distinguía si las escuchaba despierta o dormida.

La cama que comenzó a girar y la mareó al igual que la tristeza que la jalaba de los pies.

Ven y abrázame, quédate. Intentaré convencerte con todo aquello que te gustaba de mí. Y en un instante sintió su calor, el olor de su cabello, su lengua buscando la suya.

No más murmullos.

Éstos se endurecieron muy adentro entre sus piernas.

Silencio, gemidos. Házmelo así, fuerte. Más, quiero sentirte más. Ya casi llego. Te amo.

El retorno al silencio.

- ¿Dónde estabas?

- Te dije que iba por agua a la cocina.

- ¿A qué hora?, ¿por qué no me acuerdo?

- Igual me respondiste medio dormida.

Y ella despertó una vez más, ahora en el lado ausente de la cama.

Esta vez: ella.

Esta vez: sin murmullos.

Esta vez: sin él regresando de la cocina.

Esta vez.

Ella sin él y la ausencia y las sábanas heladas.

Esta vez.

Los párpados que caen de nuevo.

Big-Bang: remanentes de lo que pereció

2011-04-09T13:59:00.000-07:00

El tiempo, no tengo una medida exacta para todas mis inquietudes.

Suspensión al alto vacío: sinestesia de lo real y lo conjugado en tiempo pasado.

En la nada no hay caos ni equilibrio, sólo partículas que se mueven en una órbita atómica y forman una gigantesca masa de mí. Presiento que viene una colisión que me fragmentará en minúsculos pedazos de materia, entonces flotaré, crearé, rotaré y mandaré las cargas negativas a un atajo inexplorado. Le dicen hoyo negro; yo lo asocio con mi energía en movimiento.

Tú, mi pesada reminiscencia, te mueves a miles de años luz, en algún lado, donde cohesionas una galaxia propia y no existen sendas que me lleven a ti, ya no más.

Nos convertimos en polvo cósmico, ¿cómo recolectarlo todo y unirlo? Es imposible.

Flotamos, nos alejamos, llegamos a otros campos gravitatorios.

Quisiera ser más práctica, justo como tú.

Mi noción de lo temporal y espacial aún es deforme: se curva, se alinea, se expande; algún día de estos dejaré de ser tan desordenada y hallaré el equilibrio para construir mi propio sistema estelar.

Pero hoy no, ni mañana.

En mi caos no existe el tiempo.

De algunas cosas que pasan

2011-03-20T00:18:00.000-07:00

De las cosas, de esas cosas que no se dicen pero que se sabía que eran así. De los tiempos, de los fantasmas de nosotros, de coincidir cuando ya había decidido incinerarte para no verme tentada a desenterrar alguna vez nuestros cadáveres.
De los lugares inesperados, de las pruebas de fortaleza:
Me desmoroné en cuanto apareciste.
Y regresaron a mí todos los días y los minutos y los segundos y tu piel y tus labios y todo tú.
El vértigo, hace mucho que murió para mí. Tú solías ser esa caída.

De esas cosas que se empecinan en no morir aun en la vacuidad. Algunos le llaman amor, yo lo desnudé y lo dejé sin nombre. De las lágrimas y la tristeza y esas cosas que me guardé durante un año; te esperé: tu orgullo, el gran obstáculo.
De la música y nosotros dos y el adiós que debí decirte desde hace doce meses. Una canción. Yo. La imposibilidad de nosotros emergió de mi garganta.
De cuando debí bajarme del automóvil y callar y no exponer mi vulnerabilidad. De ti y esa otra nueva persona. De cuando me escribiste que me esperarías toda la vida y lo recordé y cerré la puerta. El tiempo no tiene orillas, creí.

Caminé.
Lloré todo el trayecto hacia mi casa.
También te odié por haberme dejado ir una vez más.

De esas cosas que suceden y no entendemos razones. Las cosas. Esas cosas tuyas y mías y esas cosas que me pasan cuando se trata de ti. Te voy a liberar de aquí adentro. Ya no te puedo guardar más.
Fue un adiós, lo sé.

El color de Anna Anjos

2010-09-04T14:33:00.001-07:00

Me gusta cuando un ilustrador tiene una propuesta única, pero cuando se trata del trabajo de un artista joven me emociona más tras suponer que vendrá una evolución y madurez posteriores. Este es el caso de la brasileña Anna Anjos, que con sólo 25 años ha logrado posicionarse ya en los mundos editorial y publicitario, además de trabajar en sus proyectos personales.

Egresada en 2006 de la escuela de Bellas Artes de Sao Paulo, ya ha tenido a clientes como Coca-Cola, Nestlé, Computer Arts, JWT y Absolut, además, de tener una colaboración constante con varias agencias de publicidad en Brasil. El estilo de Anna Anjos es cinético, atrevido, colorido; provisto de imágenes de la infancia y la cultura brasileña. Es evidente que Anna se identifica fuertemente con la naturaleza pues algo muy característico de sus composiciones son los elementos orgánicos, los cuales terminan de afinar toda la personalidad gráfica de sus trabajos. También juega mucho con las texturas, elemento esencial en las ilustraciones contemporáneas, pues son éstas las que crean la ilusión entre lo tradicional y lo digital.

Un trabajo hermoso.
Los personajes hablan, viven, hacen y cuentan sus historias sin necesidad de la palabra.

CiudaDfe y Antes del fin del mundo

2010-08-22T21:58:00.000-07:00

El pasado domingo 15 de agosto se inauguró en la galería José María Velasco la exposición fotográfica "CiudaDfe", que tiene como eje temático a la ciudad de México. Asimismo, dentro del marco de la misma exposición, se presentaron los trabajos de Fernando Cid, elegido como la pieza pictórica del mes; Tiza y Plop, que intervinieron con un grafitti la fachada de la galería y Einar Salcedo, cuya serie de dibujos titulada "Antes del fin del mundo" fue seleccionada para el área de vitrinas. La inauguración corrió a cargo de Alfredo Matus, Director General de éste espacio, quien presentó a los artistas participantes y detalló algunos aspectos generales sobre la curaduría y la galería.

ANTES DEL FIN DEL MUNDO

Einar Salcedo es un joven artista multidisciplinario cuya trayectoria en el medio comienza a florecer. Poeta, fotógrafo, artista visual y becario del FONCA para el ciclo 2010-2011, presenta en las vitrinas de José María Velasco "Antes del fin del mundo", una serie de dibujos realizados en 30 días que explora la relación de las líneas con su espacio y la manera en la que éstas forman figuras, objetos y conceptos. Líneas que corren, se detienen, se tuercen, se entrelazan, dicen, deshacen, se expanden en la hoja e invitan a seguirlas en su camino cíclico. Una delicia de caminos sinuosos, a decir verdad. La exposición estará hasta el 26 de septiembre de 2010. Para apreciar una probadita de estos dibujos, hay que ver el portafolio de Einar en Talenthouse.

Collage y vectores

2010-07-15T13:33:00.000-07:00

Gracias a los newsletters de Colectivo Bicicleta he conocido la obra de Michael Mew y Rodrigo Francisco. Trayectoria vs. juventud, lo retro vs. los vectores; aunque la propuesta de ambos se rige bajo diferentes temáticas, si hay algo que tienen en común es el gran uso de color en sus paletas.

El estilo de este estadounidense quedó marcado gracias a su infancia en Los Angeles, pues ahí comenzó a interesarse por la cultura americana de los suburbios. Coleccionó tarjetas, compró objetos en el mercado de pulgas y admiró el trabajo de Joseph Cornell; finalmente, en 1994, comenzó a experimentar con el collage.

En su trabajo pueden apreciarse elementos vintage, gráficos de revistas viejas y modernas, influencias del arte oriental y robots. Pero su obra es más una cosmogonía surrealista de colores vivos. Con más de 20 años de trayectoria artística, su exposición más reciente, Robots: evolution of a cultural icon, se presentó en el Museo de Arte del condado de Sonoma, California.

La trayectoria de este ilustrador brasileaño no es tan amplia como la de Michael Mew, sin embargo, a sus 20 años ya tiene un estilo perfectamente definido. Su trabajo apuesta por el arte digital, los juegos tipográficos y las paletas atrevidas, también alterna muchos objetos blancos que nutren a su composición cromática.

Contemplación

2010-07-03T21:51:00.000-07:00

Es la última vez...

Yo-tú: Nocturno

2010-05-23T22:05:00.000-07:00

Me han dicho que las historias no se deben comenzar con un diálogo. ¿Según quién?, ¿hay alguna regla sobre eso? Si nosotros nos enamoramos después de entablar uno, pues imagínate que nos hubiéramos quedado callados, entonces no me hubieras dicho que te parecía linda, ni siquiera me hubieras invitado a salir. Estoy de acuerdo, al principio nuestro diálogo no fue estrictamente verbal, pero tienes que admitir que la pieza de Chopin que me viste tocar ese día fue como una especie de conversación entre nosotros. Mis manos en una octava, tus ojos plantados en las notas de mis dedos. Tú y yo en la mitad de una fiesta aburrida, nosotros al unísono de un nocturno.

¿Me estás siguiendo Darío? Anda, sírveme otra. Hoy tuve un pésimo día en el trabajo. ¿Te acuerdas de la biografía que escribía sobre Chopin? El editor me regresó mi texto alegando eso, que las historias no se empiezan con un diálogo. Pero qué sabe él.

Darío, ¿estás en la cocina? ¿Me traes la botella de vino?

Es la última, te lo prometo. No seas así.

Érika enciende otro cigarro. El delineador negro forma dos surcos negros debajo de sus pestañas, mientras sus piernas se tambalean como dos frágiles pedestales sobre las plataformas que ya le cansaron pero insiste en calzar.

Es el último día de noviembre: su aniversario de boda.

¿La calefacción no sirve Darío?

Érika sabe que llegó tarde a cenar.

Silencio.

Pero le fue imposible dejar apilados los pendientes en su escritorio.

Si tan solo intentaras entender cómo es ser yo, no me reclamarías, se dice con un susurro amargo.

Darío no ha dicho nada aún y Érika camina a la cocina para servirse otra copa de vino.

Tropieza con un escalón.

Amor, me estoy congelando, ¿ya viste lo de la calefacción?, me voy a enfermar con este clima.

Se acomoda en el piso para corroborar que la media Gucci se le ha roto. Su rodilla sangra. Sabe que la mala circulación que heredó de su madre le dejará un moretón grande, enorme.

El frío penetra la herida.

Yo no soy una egoísta, Darío, vuelve a decirse en voz baja.

Érika se quita los zapatos, llega cojeando a la cocina, encuentra la botella de vino. Vamos a brindar, dice alzando la copa. ¿Quién empieza? Se acerca el cristal a los labios. ¿Tú, amor? Se retira un mechón de cabello teñido que le estorba la vista.

Ríe con torpeza.

Bueno, pues yo sí quiero decir algo. Brindo por nosotros, porque estamos aquí a pesar de estos meses que han sido tan difíciles. Lo sabes, trabajo mucho, lo que hago es mi mayor satisfacción y me duele que no lo veas así. No, no soy una egoísta como siempre me dices y yo siento que a veces no lo entiendes. Cuando tú me conociste sabías cómo era, ¿por qué me pides más tiempo?, ¡no puedo dividirme en dos para estar siempre contigo! No es justo.

Tú me aceptaste sabiendo cómo era yo.

Estás muy callado, ¿no vas decir nada?

Érika avienta su copa al lugar que siempre ocupaba Darío, pero ésta sólo rasguña la pared, se fragmenta en partes desiguales.

Después, nada.

Más silencio.

Érika mira el piano que le regaló su difunto padre.

Su piano.

Aún recuerda las notas, las escalas de ella y Darío de aquella fiesta.

Toca con torpeza.

Evoco a Chopin que existió antes de nosotros y que ahora me lleva a ti. Con sus acordes de luna y lluvia. Con su notas de agua nudosas que en el aire trazan tus ojos y su insondable misterio.

Tus manos son un sol, tus labios un do.

Mis dedos tocan el nocturno.

¿Los tuyos?

Érika llora con el concierto para piano en Ebm de Chopin.

Ésta vez no hay auditorio.

Regresa el silencio.

PERIODISMO: ¿La profesión más peligrosa de México?

2010-05-11T13:51:00.000-07:00

La semana pasada escuché en el noticiero de Carmen Aristegui que dos camarógrafos de Reporte Índigo fueron consignados a las autoridades de la Secretaría de Seguridad Pública (SSP) cuando los escoltas de Genaro García Luna, titular de dicha Secretaría, los sorprendieron “grabando a su hija” en las inmediaciones de su propiedad. Aunque los presuntos sospechosos se identificaron como empleados de la empresa Televisión por Cable (TVC), fueron puestos a disposición del Ministerio Público. Y es que meses atrás, la familia García Luna ya había tenido un atentado por parte de un comando armado.

No obstante, pese a los desafortunados antecedentes contra la familia García Luna, tampoco fue de extrañar la reacción del titular de la SSP, quien siempre ha sido una figura pública muy controvertida. En este caso en particular, Reporte Índigo investigaba sobre la casa que Genaro García Luna está construyendo en el fraccionamiento Jardines de la Montaña y cuyo valor estimado es de 20 millones de pesos (dinero que además, se presume de negocios turbios).

La opinión pública se dividió frente al caso. Que si Genaro García Luna estaba en el derecho de proteger su privacidad, que si los camarógrafos sólo cumplían con su trabajo; sin embargo, este caos mediático puso en mesa de debate un problema más complejo: el riesgo que representa hoy en día ejercer el periodismo en México.

Los comunicadores ya no sólo son intimidados, amenazados, torturados o encarcelados; también son silenciados de forma permanente.

Cifras alarmantes del país donde nunca pasa nada

México se ha convertido en el país más inseguro de América Latina para ejercer el periodismo, incluso sobre países con problemas de libertad de expresión como Honduras, Colombia, Cuba o Venezuela. Tan solo en 2009 se registraron varias agresiones contra 183 periodistas, 19 medios de comunicación, además de 13 homicidios. En lo que va hasta mayo de 2010, ya hay registrados 7 asesinatos.

De acuerdo a la Federación Internacional de Periodistas (FIP) con sede en Bélgica, la tendencia mundial indica una disminución en la muerte de periodistas mientras que en México se ha acrecentado. En Irak, que vive en guerra civil desde hace unos años, el promedio de homicidios ha descendido y este año tampoco se ha registrado ni uno solo en Filipinas, que es otro país sumamente peligroso para la profesión.

Desafortunadamente, en México no es de extrañarse que los atropellos cometidos contra los periodistas se ligan de manera directa al incremento de violencia por el narcotráfico, de forma tal que los estados más inseguros para el periodismo son Oaxaca, Veracruz, Michoacán y Chihuahua. Tampoco es de extrañarse que aumentaron a partir de la inútil “cruzada contra el narcotráfico”, iniciada en este sexenio por el presidente Felipe Calderón.

Este 3 de mayo, con motivo al Día Internacional de la Libertad de Prensa, la Comisión Nacional de los Derechos Humanos publicó algunas cifras demoledoras, las más significativas: desde 1999 se han abierto más de 600 quejas por violaciones a periodistas y en los últimos años han sido asesinados 62. El asunto más agrio de esta situación es la impunidad que existe al respecto, pues los trámites burocráticos sobrepasan a la capacidad de las autoridades para resolver estos casos.

La casa de periodistas en París

En el número 486 de la revista Día Siete leí un artículo titulado “Periodistas en tregua” en el que Cristina Ávila-Zesatti escribe sobre un albergue para periodistas. Este espacio conocido como “La Maison des Journalistes”, sirve como refugio para 30 comunicadores de todo el mundo que se han visto obligados a huir de sus países para salvar sus vidas.

Fundada en 2002 por los comunicadores franceses Danièle Ohayon y Philippe Spinau, La Maison des Journalistes ha recibido a 162 periodistas procedentes de 47 distintos países. Plumas torturadas, mutiladas o perseguidas por gobiernos, militares o redes criminales, estos periodistas acuden al número 35 de la calle Cauchy en París, muchas veces con daños físicos y psicológicos irreversibles.

En este albergue no sólo se les acoge para brindarles protección, asimismo se les da clases de francés, atención médica, tratamiento psicológico, una abogado para los trámites de asilo político, alimentación, transporte, una guía para conseguir trabajo en Francia y un medio para expresarse de nuevo, sin temor: L’Oeil de l’exilé, con versión impresa y digital. Lo más increíble de todo es que son los grandes emporios franceses de comunicación quienes aportan 300 mil euros anuales para el mantenimiento de La Maison des Journalistes; otras organizaciones como Reporteros sin Fronteras, aportan por ejemplo para las necesidades jurídicas de los refugiados.

¿Necesitamos una Casa para Periodistas en México?

Si La Maison des Journalistes surgió como una iniciativa para auxiliar a todos los comunicadores que se arriesgan en aras de exponer situaciones irregulares, ¿no sería lógico que en México debiera existir también una protección similar a los periodistas que cada día están más vulnerables en el ejercicio de su trabajo? Hoy en día, es insostenible que el crimen organizado, la impunidad y los funcionarios corruptos se fortalezcan, en tanto que los portavoces de la población deban quedar silentes por temor a sufrir de algún daño.

No es ilógico que los medios de los estados más violentos del país han dejado de cubrir cierto tipo de noticias, ni que las muertes de sus propios compañeros de comunicación sean archivadas al instante para evitar llegar al hilo negro por el que terminaron acribillados. Podrían correr con la misma suerte.

¿Una Casa de Periodistas en México representaría una guarida segura para nuestros periodistas? Probablemente, a los 3 meses explotaría misteriosamente.

Quien sabe por qué si aquí nunca pasa nada.

Referencias:
http://alertaperiodistica.com.mx/un-periodista-al-servicio-de-garcia-luna.html
http://estepais.com/site/?p=27504
http://www.proceso.com.mx/rv/modHome/detalleExclusiva/76777
http://www.eluniversal.com.mx/notas/667785.html
http://www.elsemanario.com.mx/news/news_display.php?story_id=15360
http://www.oem.com.mx/elmexicano/notas/n1569387.htm
http://vivirmexico.com/2010/05/62-periodistas-muertos-en-10-anos-cndh
http://www.telesurtv.net/noticias/secciones/nota/70147/persiste-impunidad-mientras-continuan-asesinatos-de-periodistas-en-mexico/

© 2010. Ximena Cuenca.

Ensayo y error para un discurso

2010-05-07T23:55:00.000-07:00

Escribir sobre el amor. Cosa más difícil:
Dejarse caer vs. Replegarse.
Lanzarse sin medir vs. Medirse sin lanzarse.
¡Sólo salta!
Le dice un extraño a otro.
Pero al momento de saltar, las piernas flaquean, el corazón se excita.
Tú me gustas, yo te gusto. ¿Quién salta primero?

Siempre hay un valiente y un cobarde.

Pienso en el discurso que debo escribir, en las proyecciones de la niñez cuando jugábamos a ser las madres de un par de muñecas y ninguna de las dos sabía siquiera quién aprendería primero a escribir con pluma. Pienso en ti y en mí cuando nos peleábamos cada verano para ver quién era la más alta. Pienso en ti, amiga, y se me ocurren las frases más trilladas, melosas y cursis para una ocasión única en la que todos, absolutamente todos, tendremos los ojos puestos en ti cuando digas que sí.

Yo soy del bando cobarde; tú del bando valiente.
Has decidido bien a entregar tu vida entera y me pongo de pie.
Tengo la certeza que me secaré unas lágrimas cuando vuelvas a decir que sí, sí y sí, en la salud y la enfermedad, ¡positivamente!
Pero cómo no irás a hacerlo si te has encontrado con alguien que se ha entregado por completo también.

Ensayo, error, ensayo.
Busco las palabras perfectas para tu día perfecto.
¿Y si sólo te dijera: hagan lo suyo, entréguense, vívanlo?

Aún, eramos unas niñas.

Betteando con Patricio, ¿o era al revés?

2010-03-22T16:11:00.000-07:00

Tengo un perfil curioso. Estudié Ciencias de la Comunicación pero mis intereses académicos no han desembocado en áreas específicas de esta profesión. Estudiando la carrera descubrí mi afinidad con la literatura y trabajando en una Agencia de Publicidad salió la diseñadora de closet que siempre tuve. Ahora, fue el camino del diseño el que terminó por despertar mi pasión más grande y olvidada: el color.

Mis pinceles, lápices, estilógrafos, pasteles, óleos y acrílicos permanecieron mucho, incontable tiempo, enmohecidos. Sin embargo, este fin de semana decidí sacudirles la humedad gracias a una figura admirable: Patricio Betteo.

Trucos visuales y técnicas digitales

¿O era al revés?

Patricio Betteo es un talentoso ilustrador mexicano, cuya juventud se queda corta, pequeñísima, frente a la enorme cantidad de obra gráfica que tiene.

Diseñador gráfico egresado de la ENAP (Escuela Nacional de Artes Plásticas), su apellido goza de fama en el medio, y es que sus ilustraciones han pasado por publicaciones de peso como Switch, Nexos, Quo, Expansión, Conozca más, Chilango, Mad, entre otras, además de importantes editoriales como Alfaguara, el Fondo de Cultura Económica y Castillo.

Betteo es sin duda, un artista prolífico y este fin de semana impartió el taller Trucos visuales y técnicas digitales, ¿o era al revés?, en la Universidad La Salle. Un taller intensivo, por cierto, pues en 3 días repartió 16 horas para un grupo de 20 personas interesadas en conocer sus técnicas.

Combinar técnicas a favor del espectador

La mayoría de los presentes dominábamos PhotoShop, sin embargo, Betteo nos orientó sobre cómo aplicar dichos conocimientos a nuestras propias ilustraciones bajo un precepto: mantener al espectador en el engaño también requiere de un gran trabajo. Y es que la concepción que tiene Betteo sobre el PhotoShop como una herramienta pictórica, es tan refinada, que él puede darse el lujo de componer en un lienzo de pixeles y nosotros pensar que es una acuarela.

En las 16 horas que duró el taller, Betteo partió de los principios fundamentales del dibujo para adentrarse en la versatilidad que ofrece el PhotoShop: brushes, canales, editores de color, efectos, transparencias o lazos; trucos simples o complejos que ejecutados con maestría y sensibilidad le otorgan a una ilustración digital, el acabado de una que hubiera sido realizada a mano.

Betteando

La experiencia de convivir con Patricio fue enriquecedera para todos los presentes, pues no sólo compartió con nosotros sus libretas de bocetos, sus incontables archivos .jpg y sus vivencias como ilustrador profesional; nos dio algo más: motivación. O al menos en mi caso, después de haber visto que ni todas las ilustraciones del grupo llenaban el total de las producidas por Betteo, me dijo algo: ponte a dibujar.

Y sí.

Estoy dibujando.

"Perdida" (uno de mis ejercicios en el taller)

Orillas...

2010-02-28T21:34:00.000-08:00

La orilla del viento, del tiempo, de mí.
Las orillas de las orillas.

La orilla del tiempo en mi voz cuando te dijo que
el tiempo no las tenía.
La paciencia sí.

Nuestras vidas: esquinas y orillas.
Yo doblaré en esta esquina.
Tal vez coincidamos, tal vez no.
Me orillaste a la orilla y me detuve antes de caer.

SPIKE JONZE presents:

2010-02-04T01:22:00.001-08:00

Si es verdad que a causa de Avatar los cines no van a arriesgarse a proyectar una película honesta, carente de pretenciones y cuyo director claramente no busca batir otro éxito en taquilla a diferencia de James Cameron, entonces Where the wild things are, de Spike Jonze, no verá la luz en las salas mexicanas. Una verdadera lástima para todos aquellos que han esperado con inquietud, la adaptación cinematográfica de Jonze al libro de Maurice Sendak, pues ya desde los trailers, la caracterización de los monstruos generó muy buenas expectativas.

La pregunta que se hizo cualquier persona que ya haya leído Where the wild things are, probablemente tuvo que ver con la forma en la que Spike Jonze lograría llevar a la pantalla grande un libro ilustrado que ni siquiera llega a las 30 páginas. El director no sólo se vería obligado a crear diálogos y situaciones que le dieran mayor consistencia a una historia ilustrada convertida en un largometraje, también tendría que enfrentarse a la parte visual, y es que los dibujos de Maurice Sendak son icónicos, una verdadera joya en la ilustración infantil.

El camino que Spike Jonze encontró para adaptar Where the wild things are podría condensarse en un solo término: catarsis, y es que Jonze muestra la historia de un niño dolido por la separación de sus padres que se protege del dolor con un disfraz de lobo. Sin embargo, la falsa piel de lobezno no es suficiente pues él sigue siendo Max, un niño frágil y sensible por la fragmentación de su familia; un contexto real que permite justificar el viaje imaginario de Max a una isla habitada por terribles criaturas.

La aventura de Max termina convirtiéndose en una analogía fantástica de su vida real. Los monstruos son como él, seres tristes que descargan sus frustraciones con gritos, berrinches y acciones violentas. Por supuesto, Max aprovecha la ingenuidad de las criaturas y se impone como el más fuerte del grupo, pero tras convivir con ellos se identifica con sus miedos, tristezas y preocupaciones.

Spike Jonze logra construir una historia emotiva, real. El que Max esté lejos de su hogar le permite valorar lo que los monstruos buscan en todo momento: “estar siempre juntos”. Si bien, es con ellos con quienes desfoga toda su carga emocional, también es por ellos que logra ubicarse. Sobre todo, gracias al monstruo Carol que cobra especial importancia para Max. Ambos se identifican mutuamente desde su primer encuentro, sin embargo, ambos también están fuera de control.

Where the wild things are es una historia basada en el libro infantil del mismo nombre, publicado en 1963. Pese a la censura que recibió el libro por parte de algunos padres de familia, la historia e ilustraciones de Maurice Sendak se convirtieron en un clásico. El reto al que debió enfrentarse Spike Jonze no sólo tuvo que ver con el traspaso del texto al lenguaje cinematográfico, también se relacionó con las expectativas de los lectores que ante una adaptación, creen que irán a ver una ilustración del libro. Lo que hay que entender de esta versión cinematográfica, es que Jonze no hace una adaptación fiel, sin embargo, capta de una manera extraordinaria la personalidad de Max y lo representa tan terrible como a esos monstruos que en un principio se lo quieren comer.

El salvaje viaje de Max fue ambientado por otra chica salvaje del rock: Karen O, quien escribió toda la música. No sorprende entonces que la banda sonora de Where the wild things are se convierte en un elemento esencial del filme al lograr enfatizar las emociones encontradas de cada uno de los personajes.

Pese al temor que la Warner BROS expresó sobre el filme (no lo encontraron muy amigable para los niños), Maurice Sendak opinó lo contrario en cuanto la vio: “I’ve never seen a movie that looked or felt like this. And it’s [Spike Jonze's] personal ‘this.’ And he’s not afraid of himself. He’s a real artist that lets it come through in the work. So he’s touched me. He’s touched me very much.”

© 2010. Ilustración de Ximena Cuenca.

FINE GRIME: arte contemporáneo

2010-02-04T01:16:00.000-08:00

Voy a decirlo: God save the Queen!, frase del anarquista Sed Vicious en crítica a su nación.

Sin embargo, a mí me gusta tomar la expresión con la connotación contraria: admiración.
Se trata de una confesión pública.
Amo a Inglaterra por su música, literatura y arte.

Ha llegado el turno de revelar un hallazgo admirable: Fine Grime, una casa británica dedicada a publicar arte joven contemporáneo. Aunque Fine Grime usa el término “arte culto” para designar la calidad de sus artistas, preferiría decir que en medio del fastidioso y lugar común del brush en el arte digital, los artistas de Fine Grime combinan técnicas clásicas de pintura con elementos digitales. Además, el catálogo de artistas de Fine Grime no es exclusivamente británico, nombres como Sylv ia Ji (Estados Unidos), Natalie Shau (Lituania), Riccardo Pocci (Italia) o Lizz López (Estados Unidos) son destacados representantes de la pintura e ilustración internacional.

Si estás cansado de ver los mismos brushes y vectores bajados de deviantart, échale un ojo a las obras que ofrece esta casa de arte.

ILUSTRADORES DIGITALES

2010-02-04T01:13:00.000-08:00

The Face, aquella emblemática revista británica de estilo, música y moda, durante su largo reinado de 20 años reclutó entre sus filas a las mentes más talentosas e innovadoras del momento. Uno de sus Directores de Arte fue Graham Rounthwaite, un joven que gracias a su experiencia en el ámbito digital, logró reclutar a un selecto grupo de creativos que renovó por completo el lenguaje visual de la revista.

The Face desapareció en el 2004, sin embargo, permitió que el trabajo de Rounthwaite fuera conocido en el mundo de la música y la moda para integrarlo como uno de sus abanderados más influyentes, y es que en su trabajo logra conjuntar lo urbano con las tendencias más fashion.

Hoy por hoy, algunos de los clientes más importantes de Rounthwaile son Levi's, Sony, Nike, Virgin, Apple, MTV, Warners, Universal, entre otros. Su portafolio de fotografía publicitaria también tiene una gran calidad artística, vale la pena checarla en su sitio personal:
http://www.grahamrounthwaite.com/

Campaña para Levi's

Los 10 libros más conocidos por los mexicanos

2010-02-04T01:12:00.001-08:00

De acuerdo a una encuesta realizada por el periódico El Universa l, estos son los 10 libros, los 10 escritores mexicanos y los 10 escritores más conocidos.

Los resultados de estas encuestas indican:
1. La biblia evidencia la religión dominante en México.
2. Los encuestados llevaron al primer puesto a Octavio Paz, pero ni el Laberinto de la soledad le ganó a los Hornos de Hitler.
3. Octavio Paz es más conocido que J.K Rowling y Dan Brown tiene más libros conocidos que él.

En México no existen Jaime Sabines, Elena Garro, Xavier Villaurrutia, Rosario Castellanos, José Gorostiza, Josefina Vicens, Jorge Ibargüengoitia, Juan José Arreola, Mariano Azuela, Ignacio Manuel Altamirano, Sor Juana Inés de la Cruz, Alfonso Reyes, Salvador Elizondo o José Emilio Pacheco. Ni siquiera Ángeles Mastretta por la reciente adaptación cinematográfica de su novela Arráncame la vida.

En México no existe el hábito de la lectura.
Más del 69% no respondió.

AMAPOLAS PARA FRIEDA

2010-02-04T01:10:00.001-08:00

Pequeñas amapolas, llamitas infernales,
¿es que daño no hacéis?
Se apagan y reviven. No puedo tocarlas.
En su fuego pongo las manos. Nada se incendia.
- Fragmento de Amapolas en julio, de Sylvia Plath.

El 16 de marzo de 2009, el nombre de Nicholas Hughes Plath le dio la vuelta al mundo tras haberse suicidado en su casa de Alaska con una soga. Pero la atención que se cernió a la figura del biólogo marino no fue por su reputación en el ámbito académico, ni por los proyectos de investigación sobre las pesquerías de Alaska, ni por su labor como profesor de Ciencias del Mar en la Universidad de Alaska Fairbanks. Fue el pasado, la tragedia, el peso de llevar los apellidos Hughes Plath, y es que su madre, la poetisa Sylvia Plath, se había quitado la vida 26 años antes.

Pequeñas llamitas infernales las que Frieda Hughes Plath ha debido dejar a lo largo de su vida en los féretros familiares: una amapola para Sylvia, dos para Assia y su media hermana Shura, una más para Ted, y la última, para Nicholas, su amado hermano.
Un racimo de pétalos encendidos para ella, sobreviviente.
La pintura y la poesía son, desde hace varios años, sus medios catárticos.

Leche y galletas

La madrugada del 11 de febrero de 1963, Sylvia Plath ya tenía todo preparado. Fue a la habitación de sus pequeños hijos Frieda y Nicholas, producto de su matrimonio con el poeta Ted Hughes, y les dejó leche y galletas para que no tuvieran hambre cuando se despertaran al día siguiente.

Buenas noches mis pequeños, les habrá dicho tras cerrar la puerta de su habitación. Luego, se dirigió a la cocina, selló la puerta y abrió la llave del gas.
Dejó inconcluso el aclamado poemario Ariel, que reordenó su viudo Ted Hughes, pero en cambio, éste destruyó el diario personal de la poetisa al relatar sus últimos meses de vida; le pareció muy triste y que sus pequeños hijos no deberían leerlo.

Yo me encojo día a día, mordisqueada por ambos. Me comen.
Los matrimonios Hughes-Plath y Wevill-Gutman se conocieron en 1961; David Wevill y A ssia Gutman (conocida en el mundo literario como Assia Wevill) también eran poetas. David era el tercer matrimonio de Assia, quien anteriormente estuvo casada con el Sargento John Steel y con el economista Richard Lipsey. David y Assia se casaron en 1960 y al año siguiente, ella y Ted Hughes se convirtieron en amantes.

En el verano de 1962, Sylvia descubrió la infidelidad de su marido y lo echó de su casa en Devon.

El suicidio de Sylvia se alojó como un virus en la autoestima de Assia, pues ésta creía que los amigos y familiares de Sylvia y Ted la culpaban de la disolución del matrimonio. Además, estaban las otras mujeres de Ted: Brendan Hedden y Carol Orchard (su futura segunda esposa), con quienes mantenía una relación paralela a la que tenía con Assia. "Quiero estar contigo. No lo retrases mucho, querido, porque no me será posible retornar a ti. Me habré convertido en una estatua de sal ", decía Assia como resultado del distanciamiento de Ted.

Presa de la depresión en la que estaba inmersa, la discusión que sostuvo con Ted en la mañana del 25 de marzo de 1969 detonó el deseo de terminar con su vida. En la noche del mismo día metió una cama a la cocina y se acostó con Shura, la hija de 4 años que tuvo con Ted. Posteriormente, encendió el horno de gas y repitió el mismo acto suicida que Sylvia.
Assia Wevill tenía 41 años.

El cuervo
Poco se sabe de las emociones que explotaron en Ted Hughes tras las muertes de Sylvia y Assia. Su declaración más conocida al respecto decía: "La muerte de mi primera mujer fue complicada e inevitable. Llevaba en esa pista la mayoría de su vida. Pero la de Assia pudo evitarse. Su muerte estaba totalmente bajo su control, y fue el resultado de su reacción a la acción de Sylvia ". Los únicos testimonios inmediatos a la muerte de su primera esposa son los poemas “The howling wolves” y “Song of a rat”, también se enroló en la misión de publicar todo el trabajo inconcluso de Sylvia Plath. A Shura y Assia les dedicó Crow: from the life and songs of the crow, una de sus obras más famosas.

Durante muchos años, Ted fue culpado del suicidio de ambas mujeres, aunque las acusaciones más severas versaban sobre Sylvia Plath. Los lectores de la poetisa estaban tan enojados con Ted que llegaron a borrar varias veces su nombre de la tumba de Sylvia, sin embargo, durante 35 años, Hughes se negó a hablar sobre los seis años de matrimonio y se dedicó a proteger a sus hijos Frieda y Nicholas de los medios de comunicación.

El hermetismo de Ted Hughes se fragmentó unos meses anteriores a su muerte, cuando publicó Birthay Letters, un poemario dedicado a Sylvia Plath. El libro ganó el Whitbread Poetry Award y sorprendió al mundo de lengua inglesa por la pasión y honestidad con la que retrató a su primera esposa. Finalmente, el laureado poeta falleció de cáncer en 1998, a los 68 años de edad.

Una vida solitaria en Alaska
Con la muerte de Ted Hughes, el triángulo fatal había concluido, sin embargo, en marzo de 2009 Frieda Hughes se enteró del tercer suicidio de la familia. "Con gran pena debo anunciar la muerte de mi hermano. Durante algún tiempo había estado luchando contra la depresión", dijo Frieda en un comunicado. Y es que Nicholas fue un hombre solitario, sin mujer ni hijos, diagnosticado como maniaco-depresivo; una condición psiquiátrica que también padeció su madre, aunque en los años sesenta aún se desconocía.
En una entrevista al periódico The Times, Frieda enfatizó la cercanía que padre e hijo mantuvieron, particularmente por su fascinación con el mundo natural, tan característica de la poética de Hughes y tan presente en la profesión de Nicholas.

Llamitas infernales
Las amapolas deben ser unas flores dolorosas para Frieda Hughes Plath,
sobreviviente de una familia trágica y quien a su vez, también ha publicado artículos sobre las batallas que ha enfrentado: trastornos depresivos, anorexia y esclerosis múltiple.

No obstante, Frieda continúa con su labor como escritora y artista plástica. Tal vez, algún día, retrate con sus pinceles a las amapolas de marzo: Sylvia, Assia, Shura y Nicholas.

NUNCA MÁS volverá a pasa

2010-02-04T01:06:00.002-08:00

"El africano es un hombre que desde que nace hasta que muere permanece en el frente, luchando contra la –excepcionalmente malévola- naturaleza de su continente, y ya el mero hecho de que esté con vida y sepa conservarla constituye su mayor victoria".
- Ryszard Kapuscinski

El diminuto ombligo de un continente: Ruanda

Uganda, Tanzania, Burundi y República del Congo son los países que la rodean.
¿A qué desinteresada potencia mundial le importará este país -de apenas 26,338 km²- si carece de todo lo sobrevalorado por el mundo occidental? Ante los codiciosos ojos, en Ruanda no hay nada excepto un nimio territorio que produce té y café arábigo; también carece de recursos naturales explotables debido a las grandes sequías, y a pesar de que la minería es su segunda actividad más fuerte, son contados los minerales que exporta, ejemplo de éstos son la casiterita y el berilio.
En Ruanda no hay diamantes, oro, plata o petróleo como en otros países africanos. Si se tiene bien a visitar este país, sólo se hallarán habitantes curtidos en las más ásperas técnicas de sobrevivencia.
Pero incluso, hay situaciones en que dichas aptitudes no bastan.
Cuando el odio étnico entre hutus y tutsis se desbordó en 1994, más de 800 mil habitantes encontraron la muerte ante la impasible comunidad internacional. ¿Dónde estaban las potencias mundiales que pudieron enviar a sus tropas para proteger a los civiles ruandeses? En una entrevista para el documental Flores de Ruanda (2008), Douglas Greenberg[1]

comenta: “En realidad, ha habido casos de intervención de la ONU pero Ruanda es un caso en el que, bajo mi punto de vista, existe una responsabilidad internacional de genocidio que recae fundamentalmente en la ONU y los Estados Unidos. Mientras estamos aquí, en Ruanda, un genocidio está ocurriendo en Darfur y sobre el que la ONU está haciendo muy poco”.
Los sobrevivientes del genocidio no sólo se preguntan porqué nadie fue a ayudarlos, su vida diaria también se ha convertido en una constante de rencor y de perdón; el Ministro de Educación y Cultura de Ruanda, Joseph Habineza, lo expresa amargamente: “ocurrió hace sólo trece años. Los recuerdos siguen frescos en la memoria, los verdugos siguen todavía ahí, los supervivientes siguen ahí y el genocidio ruandés se vive de esta manera, las personas tienen que seguir viviendo juntas” (Flores de Ruanda, 2008).

[1] Director Ejecutivo del Instituto Fundación Shoah para la Educación e Historia Visual

1994: las colinas de la muerte

En el sitio del Museo del Holocausto de los Estados Unidos se explica que el término de "genocidio" no existía antes de 1944, e incluso cuando se efectuaron los juicios de Nuremberg entre 1945 y 1949, no existía el concepto legal de éste concepto. Para 1998, es decir, cuatro años después del genocidio ruandés, el Tribunal Criminal Internacional para Ruanda (creado por las Naciones Unidas) emitió la primera condena mundial por genocidio a Jean-Paul Akayesu, alcalde de la ciudad ruandesa de Taba. Pero qué hubiese sucedido si la comunidad internacional hubiera intervenido, ¿se habría evitado una masacre?, ¿se habrían salvado cientos de miles de vidas?
Probablemente no.
Los tutsis y los hutus radicales habrían prolongado su odio étnico hasta detonarlo en una carnicería aún mayor que la acaecida en abril de 1994.
Cuando el periodista checo, Ryzard Kapuscinski, recapituló en Ébano sus experiencias vividas en África, se refirió al hambre como una de las principales causas de las guerras civiles en el continente: “Quien tiene armas, tiene comida. Quien tiene comida, tiene poder […] Estamos en un mundo en que el hombre, arrastrándose y escarbando en el barro, intenta encontrar en él cuatro granos de cereal que le permitan vivir hasta el día siguiente” (2007, p. 212). No es que el genocidio de 1994 haya sido producto de una hambruna, sin embargo, el monopolio de una minoría sobre las pocas tierras del país, contribuyó en gran medida a que los hutus se rebelaran contra los tutsis.
Las primeras tribus que se establecieron en Ruanda fueron los twa, quienes forman parte de los pueblos pigmeos de África y, posteriormente, llegaron los hutus, procedentes de la cuenca del río Congo. Para el siglo XV, los tutsis, originarios de Etiopía, conquistaron la región e impusieron un sistema feudal en el que los hutus fueron convertidos en siervos y los tutsis reinaron como los señores.
Por otra parte, los tutsis eran principalmente ganaderos mientras los hutus eran campesinos, y aunque éstos últimos constituían el 86% de la población, los tutsis controlaban absolutamente todas las tierras y las usaban para el ganado cebú. Además, los hutus no tenían ningún derecho para poseer ganado, y sus cosechas, se limitaban a los reducidos y escasos terrenos que los tutsis les asignaban. Cuando Alemania le cedió en 1886 el Reino de Ruanda a Bélgica, las autoridades belgas mantuvieron el modelo alemán y conservaron las alianzas con los señores tutsi. Sin embargo, tras la Segunda Guerra Mundial Ruanda se convirtió en un fideicomiso de las Naciones Unidas y los hutus, con una exaltada conciencia nacionalista, comenzaron a protestar fuertemente contra los gobernantes tutsis. Para 1959 el conflicto se agudizó y un año después, el rey tutsi huyó del país junto con 200,000 miembros de la etnia.
El 1 de julio de 1962, Bélgica le concedió la independencia a Ruanda y Grégoire Kayibanda, líder del Parmehutu (Partido del Movimiento de Emancipación del Pueblo Hutu) se convirtió en el primer presidente del país. Algunos de los exiliados tutsis organizaron un ejército revolucionario para retomar su jerarquía social, pero la empresa no tuvo éxito y ocurrió la primera masacre tutsi a manos de los hutus.
Para 1990, las relaciones entre ambas tribus estaban llenas de odio étnico y el gobierno ruandés, controlado por los hutus, debió enfrentar al Frente Patriótico de Ruanda en una guerrilla que se empeñaba en recuperar el poder para los tutsis. Finalmente, en abril de 1994 el avión en el que viajaban los presidentes Juvenal Habyarimana, de Ruanda, y Cyprien Ntaryamira, de Burundi, fue derribado. Este acto violento sumado a la toma de Kigali por los rebeldes tutsis, desencadenó el genocidio que terminó con la vida de más de 800,000 ruandeses.
Gilbert Ndahayo, Director de cine y sobreviviente de la masacre comenta: “Hace trece años hubo un genocidio. Las colinas estaban cubiertas de muertos, de cuerpos, de niños, de ancianos, de gente que fue matada de manera atroz. Y en esas colinas todavía hay señales de la violencia del genocidio” (Flores de Ruanda, 2008). Pero no sólo en las montañas de Ruanda se respira la infamia del odio, basta con ir a Nyarabuye y visitar la iglesia del poblado que se erige con una fachada apacible; en su interior resuenan las voces de al menos 2,000 ruandeses asesinados y los hutus radicales que regresaban esporádicamente para aplastar con piedras las cabezas de los sobrevivientes.
Ahora, la iglesia es un Memorial, un recordatorio de la irracionalidad con la que suele actuar la raza humana. Pero como lo explica Kapuscinski, la historia es un proceso complejo y errático que sólo el futuro podrá juzgar para encontrar la justa medida.

Bálsamo para Ruanda

¿Cómo se debe vivir en un país donde víctimas y asesinos caminan igualmente por la calle, dónde los sobrevivientes presenciaron la muerte de su familia, dónde ser hutu o tutsi aún duele como si se naciera mutilado? “No busques lo que no hay: huellas, cadáveres, que todo se le ha dado como ofrenda a un diosa: a la Devoradora de Excrementos” (Rosario Castellanos, 1968), y es que en la Ruanda después del genocidio, nadie sabe quién usó el machete y quién se defendió de él.
El mundo occidental desconoce la problemática africana, pues la imagen generalizada del continente se limita a dos palabras: hambre y pobreza. Entonces acuden la Cruz Roja, la ONU y sus embajadores para abastecer a los más necesitados de agua, pan y medicina, ¿y cuándo acontece una masacre de esta magnitud?, ¿quién cubre la noticia?, ¿quién se queda ahí para despertar las conciencias dormidas?
Es muy peligroso, dicen, salvaje, se han vuelto locos.
Pero el mundo occidental estará ahí siempre para explotar los recursos naturales de los africanos, diezmar su flora y fauna, probar sus medicamentos en los caídos que nadie recordará. Quince años después del genocidio, los habitantes se están esmerando en la educación de los más pequeños para que se consideren indefinidamente “ruandeses”, para que cesen el odio y el rencor y sea así como el pequeño ombligo de África camine hacia adelante.
La historia de Ruanda necesita ser contada, el mundo occidental se lo debe a los sobrevivientes que clamaron por ayuda y ahora sólo esperan justicia para la impunidad.

Agradezco a David Muñoz, Director del documental Flores de Ruanda, por su valiosa aportación para la realización de este artículo. Sin duda, los testimonios de los sobrevivientes enriquecieron la inquietud por el tema que Ébano y Hotel Ruanda ya habían despertado.

Referencias:

Kapuscinsky, Ryszard, Ébano, Anagrama, Barcelona, 2007.

Flores de Ruanda, (Flowers of Rwanda, España, 2008). Dirección: David Muñoz.

Museo del Holocausto de los Estados Unidos: http://www.ushmm.org

Rubio, Ana, “Elige tu destino: Ruanda”, en: http://www.elmundoviajes.com/elmundoviajes/fichas.html?valor=38&zona=pais

“Matanzas en Ruanda: masacre de tutsis y hutus”, en: http://www.portalplanetasedna.com.ar/malas17.htm

“Fichas territoriales: Ruanda”, Kalipedia, Santillana, en: http://bo.kalipedia.com/geografia-general/tema/ruanda.html?x1=20080703klpgeogra_5.Kes

AORTA-LOCOMOTORA

2010-02-04T01:06:00.001-08:00

Ni el reloj ni la sangre ni la música incurren en algún efecto cuando pienso que el tiempo endurece como piedra en un riñón y por el cuerpo circula agua carmesí de alta densidad que en armónicos compases orquesta a los tejidos silueta cuando tira de los cables de la aorta-locomotora:

UH-UH-chiqui-chiqui-chiqui-chiqui-chiqui-UH-UH

Sólo el humo pautado torna la piedra en arena y el reloj acelerado de nuestras lenguas confluyen en torrentes furiosos que halan del cordón de mi aorta-locomotora una y otra vez:

UH-UH-chiqui-chiqui-chiqui-chiqui-chiqui-UH-UH

Entonces el agua deja su sabor insípido y el rugir del motor ferroviario se escucha como clave de sol.

UN VIAJE POR EL METAL... ¡HEIL!

2010-02-04T01:04:00.000-08:00

Gracias al Dr. Blonde, he descubierto una joyita de los documentales musicales. Su nombre:

METAL: A Headbanger’s journey

Dirigido en el 2005 por el antropólogo canadiense Sam Dunn, un ferviente seguidor de la escena metalera desde los 12 años, Metal: A headbanger’s journey narra el viaje de Sam por aquellos países donde el metal tiene hordas de fanáticos.

La cruzada de Dunn se inspira en una serie de eventos que tuvieron lugar en los años 70, cuando los padres de familia de Estados Unidos, preocupados por los impíos metaleros que perturbaban a sus hijos con su escándalo de sexo, drogas y guitarras distorsionadas, unieron fuerzas para censurar a cualquier canción del género. De ahí que lograran colocar en los discos la tan popular leyenda “Parents advisory”, aunque, no ganaron completamente la batalla. Y es que el metal, en medio de tantas controversias, se convirtió en una bandera obligatoria para todos aquellos jóvenes marginados, rebeldes, que buscaban volcar su energía en un concierto de Led Zeppellin, Mötley Crüe, Iron Maiden, Black Sabbath, Alice Cooper o Twisted sister.

Inglaterra, Alemania, Estados Unidos, Noruega. Sam Dunn viaja a estos países con una pregunta en mente: ¿por qué el metal es tan satanizado? De ahí que entreviste a estrellas del metal, fanáticos, productores musicales y hasta sociólogos, en aras de explorar las raíces mismas de este fenómeno social.

Metal: A headbanger’s journey, es un documental muy valioso. Aún cuando lo viera alguien no familiarizado con el tema, es un excelente retrato de todos los prejuicios, estigmas y mitos que circulan alrededor del género. Desde el origen, las letras, el estilo de vida, las grupies y hasta el escabroso black metal noruego, Sam Dunn logra reunir diferentes testimonios, entrevistas y puntos de vista de los protagonistas, los adversarios y los músicos más extremistas.

Si eres de los que crees que los metaleros son tontos, ignorantes salvajes y apenas saben hablar, nada más échale un vistazo a los testimonios de Alice Cooper, Angela Gossow (Arch Enemy), Tony Lommy (Black Sabbath), Lemmy Kilmister (Motörhead), Dee Snider (Twisted Sister), Kim McAuliffe (Girlschool) o Rob Zombie. Son de las personas más cuerdas, coherentes y auténticas con las que podrías platicar.

Lo mejor: Dee Snider, las portadas de Canibal Corpse, el festival de Wacken en Alemania y las estrellas metaleras glam.

Lo más divertido: los integrantes de Mayhem. Ya estaban un poco ebrios y se la pasaban mandando al diablo a todos.

JOE SORREN

2010-02-04T01:03:00.000-08:00

JOE SORREN

De vez en cuando, los googleos genéricos arrojan búsquedas interesantes más allá de Wikipedia, Facebook, Sonico o Spaces Live. En esta ocasión, la palabra fue “ilustradores” y encontré una obra fascinante que doy por hecho, muchos ya han de conocer. Se trata del ilustrador norteamericano Joe Sorren, ganador en 1997 de la medalla de oro de la “Sociedad de Ilustradores de Nueva York” y gracias a la cual, su trabajo pudo ser difundido. De ahí que sus ilustraciones han aparecido en importantes publicaciones como Rolling Stone, The Los Angeles Times, Juxtapoz, Step-by-Step, Art Now, Communications Arts, entre otras.

Nacido en Chicago, Illinois, en 1970, Sorren comenzó a pintar a la edad de 21 años. El primer contacto que tuvo con el arte fue el Museo de Arte de Chicago y en 1993 se graduó de la Universidad del Norte de California. Originalmente, quería ser historiador del arte, botánico, e inclusive, hasta trabajar con caballos, pero hubiese sido una lástima que con un mundo onírico tan potenciado, Sorren se hubiera inclinado detrás de la escena política en la que también pensó como carrera profesional.

Muchas de las obras que realiza Joe Sorren parecieran estar esculpidas con plastilina, sin embargo, uno se sorprende al observar con detalle y admiración que se trata de óleo, lo que equivale a una tridimensionalidad y textura, únicas.

La mirada de sus personajes, la amalgama de su paleta tan diversa y vívida, nos remiten a un mundo fantástico de fisonomías infantiles y actitudes de adultos donde la melancolía es sencillamente exquisita.

Para conocer más sobre el trabajo de este ilustrador, recomiendo su sitio web:
http://joesorren.com/

O bien, en su blog de My Space podrán conocer otra serie de trabajos:
http://www.myspace.com/joe_sorren

Circunferencia inscrita

2010-02-04T01:00:00.001-08:00

:: c ::

Siente en tus dedos mis lágrimas incoloras, el maquillaje corrido, mi ventrículo izquierdo reventado. Instantáneas en blanco y negro que exhiben la crueldad de las palabras, del fútil perdón, de la urgencia por humillar mi último ápice de dignidad. Que las imágenes hablen por mí, por eso las dejo en la cabina; esperando que las tomes para que el dolor deforma-rostros se instale en tu nula sensibilidad.
O al menos eso me dicen sus fotografías. No me importa lo que pienses, A le dijo a B, vuelvo enseguida, y se fue a la cabina haciéndose la indiferente. Pero así son todas, les gusta hacernos creer que no les duele cuando en realidad se retuercen de despecho.
C guardó las fotos olvidadas en uno de los bolsillos de su saco y caminó a casa bajo la lluvia. Mañana resolvería sus problemas con B; mañana iría a buscar a A y le haría ver que él nunca la haría llorar.

:: b ::

Es una puta, siempre lo fue, y hoy que me la encuentro, resulta que me sigue gustando habiendo tantas putas en la ciudad. Como a todas ellas, le gusta regodearse en su putez, aunque esto ya fue demasiado. No le bastó con provocar la ruptura de mi única amistad de años, ahora viene por C para terminar de joderme. Ojalá nunca la hubiera conocido, aunque hoy haya comprobado que la sigo amando.

:: a ::

A está tirada en su cama, con la espalda contra las sábanas y los brazos extendidos. No soporta más, la misma situación: ella en medio de todo. En el camino con B, en su amor por C, amigo abogado de B; en el reencuentro con B después de tres años de haberlo dejado. Luego conoce a C y es amigo de B.
Su destino es estar a la mitad.

:: el punto medio ::

El cuadrado de la hipotenusa es igual a la suma de los cuadrados del cateto. A es el punto medio de la hipotenusa y B y yo somos dos puntos de los catetos que se desplazan hacia el ángulo de noventa grados que los une. Mucho temo que se desdibuje por lo que estoy a punto de hacer, pero no puedo esperar a mañana a decirle a A esto que siento por ella.
Es lo que se dice C al dirigirse a casa de A.

:: descolgarse ::

Y C está resuelto a no dejarla ir, sorprendido después, de encontrarla en brazos de B de quien sólo vislumbra su silueta azulada balanceándose en silencio. A decidió descolgarse de la mitad y trazar con su trayectoria una circunferencia inscrita en el triángulo rectángulo del que formaba parte. No más hipotenusa, ni puntos B y C, o al menos es lo que concluyeron aquellos con la rigidez del cuerpo de A.

AMPHIGOREYMANÍA (por Annuex Imceca)

2010-02-04T00:57:00.000-08:00

Un mundo imperturbable: enmudecido, cruel, hastiado.

¿Qué sería de las sociedades sin ese desfogue volcado en aquello designado como arte? Sea como sea, cualquier espectador, por nimia que sea su educación o cultura, llega a identificarse con alguna obra o pieza aún en su forma más popular. Desde aquellas obras que inspiran ternura hasta las que buscan agreder; las que provocan sonrisas, las que inducen a la reflexión, o las que son introspectivas y funcionan como espejo. También las que continúan empolvándose en un desván impenetrable y las que están sobrevaloradas; o mejor aún, las que buscan el efecto de incomprensión, desconcierto, y las que simplemente son:
Carentes de pretensión, auténticas, originales.

El legado artístico de Edward Gorey ES todo esto último, y como tal, siempre evoca un “no sé qué” inclasificable en el absurdo, la ironía, lo real, lo improbable. Conceptos moldeados con humor negro y un lenguaje mordazmente rimado; son estas características las que proveen de cierta refinación a sus ilustraciones crueles, excéntricas, incomprensibles, exquisitas.

Todo aquel que ha leído una historia gráfica de Gorey conoce ya ese dejo extrañísimo que queda en el paladar. Es reír con cierta culpabilidad porque “Neville falleció de puro tedio” o “Clara se consumió” (“Los pequeñines macabros”, Amphigorey, 1972).

La N es de Neville, que falleció de puro tedio.

La C es de Clara, que se consumió.

Es sentir simpatía por una criatura que nació con dos manos izquierdas y “profería un gorjeo ahogado que recordaba a un desagüe atascado”, a raíz de su trágico final (“El bebé bestial”, Amphigorey también, 1974).

Érase una vez un bebé.

Era peor que los demás bebés.

Para empezar, era más grande.

Nunca se le había dado un nombre, ya que nadie

quería perder tiempo hablando sobre ese tema.

Cuando era absolutamente necesario referirse a él,

le llamaban el Bebé Bestial.

Los que están familiarizados con la obra de Gorey, saben además que sus historias terminan abrupta, absurdamente, como si fueran historias inconclusas. No obstante, para darles ese velo de desconcierto hay que tener una forma y un transfondo geniales. Gorey conjuntaba los dos con maestría.

Para los que apenas descubren a este ilustrador, dejaremos a un lado sus aspectos biográficos para detallar algunos aspectos básicos sobre su obra.

Juegos lingüísticos. Amante del lenguaje y los arcaísmos, Gorey se hizo de un estilo muy particular, pues escribía con versos rimados y le gustaba jugar con el significado de los vocablos. Sin embargo, su mayor acierto fue la combinación de la palabra con la imagen pues en sus historias gráficas, la palabra es la que provoca y la imagen la que concretiza el efecto buscado.

Tejía bufandas Continuamente

(She knitted mufflers Endlessly)

Se disfrazaron Jocosamente

(The got themselves up Killingly)

Se mostró Impudicamente.

(He exposed himself Lewdly)

Corrió por el salón Maníacamente

(He ran trough the hall Maniacally)

-fragmentos de "LA GLORIOSA HEMORRAGIA NASAL"

Mil nombres. Su obsesión con el lenguaje lo llevó a firmar gran parte de sus ilustraciones con anagramas o juegos de palabras, por ello no será raro encontrar a Ogdred Weary, Raddory Gewe o Eduard Blutig en una compilación del ilustrador norteamericano.

Humor. Para el gusto de muchos lectores, el humor de Gorey es ácido, corrosivo, sarcástico, incomprensible, como la historia del pequeño Zooks al que nadie quería y fue lanzado hasta un estanque de nenúfares (“La quintilla”, Amphigorey también, 1974), los mortales abecedarios que encontramos en “Los pequeñines macabros” (1972), “El zoológico absoluto” (1983) o “El rombo fatal" (1972).

Melancólico y grácil sigue el Mork adelante

sin expresión alguna en el semblante.

El Twibbit experimenta en ocasiones

dificultad con sus talones.

Y sobre el Zote, ¿qué podemos decir?

Sólo quedaba uno y acaba de morir.

-
fragmentos de "EL ZOO ABSOLUTO"

Pero Gorey no sólo creó historias extrañas con personajes entrañables como el Wuggly Ump o el Dios insecto, es especialista en abstraer los aspectos más oscuros de la sociedad y caricaturizarlos de forma mordaz y refinada. Uno de los ejemplos más claros es “La pareja abominable”, historia centrada en una pareja insatisfecha que sólo encontraba placer matando niños, por lo que el editor rechazó la historia al no encontrar nada cómico en el asunto. Sin embargo, años más tarde Gorey declaró: “Bueno, no se supone que tuviese que ser divertido; qué reacción tan peculiar”.

El relato lo había tomado de un caso real sobre una pareja británica que asesinaba niños y fueron descubiertos cuando un día, se les cayeron en un autobús, unas fotos que delataban sus crímenes.

Los dos se conocieron en una conferencia sobre Los

Males del Sistema Decimal en el Instituto de Autoayuda, e

inmediatamente reconocieron su afinidad.

Cada vez que intentaban hacer el amor, sus denodados

y prolongados esfuerzos resultaban infructuosos.

Hasta que un día de abril a Harold se le cayeron algunas

instantáneas del bolsillo en un tranvía.

Estilo influyente. Gracias a la originalidad de sus obras, Edward Gorey no tardó mucho para hacerse de seguidores e influenciar a muchísimos artistas. Uno de los ejemplos más representativos es el director Tim Burton, quien guarda cierta semejanza estilística y temática con la obra de Gorey. Los trabajos en los que mejor se puede apreciar este aspecto son “Nightmare before christmas” (1993), el cortometraje “Vincent” (1982) o el poema “The melancholy death of the Oyster boy”.

Las compilaciones de “Amphigorey”, “Amphigorey too”, “Amphigorey also” y “Amphigorey también” están editadas por la editorial Valdemar para la lengua española. Vale la pena adquirirlas pues las traducciones privilegian el humor del lenguaje goyreano y no se empeñan en hacer rimas forzadas que sólo se alejarían del discurso original. Para aquellos que deseen conocer las obras en su idioma original, estas ediciones de Valdemar las incluyen al final de cada libro.

Referencias:

Gorey, Edward, Amphigorey, Valdemar, España, 2001, pp. 9-16, 195-211.
Gorey, Edward, Amphigorey también, Valdemar, España, 2003, pp. 19-29.
Gorey, Edward, Amphigorey además, Valdemar, España, 2003, pp. 11-27, 167-215.

UN DÍA EN EL CENTRO HISTÓRICO: EL MUNAL

2010-02-04T00:54:00.000-08:00

MUSEO NACIONAL DE ARTE

Italia, Francia, Inglaterra, España, Estados Unidos. Siempre escucho hablar de los museos del Louvre, del Tate, del Prado, del Vaticano o del Arte Moderno de Nueva York, pues ahí están reunidas grandes, grandísimas obras de la historia del arte mundial. Sin embargo, para aquellos que lo ignoran, por México han pasado artistas que no le piden nada a los europeos, y hay nombres sobresalientes además de Diego Rivera, Frida Kahlo, Gerardo Murillo o Rufino Tamayo.

El Museo Nacional de Arte se ubica en la calle de Tacuba del Centro Histórico y desde que se llega a la plaza del museo, uno puede maravillarse con la obra que Manuel Tolsá esculpió sobre Carlos VI. Fue fundado en 1982, durante el gobierno de López Portillo, y reabrió sus puertas en el año 2000 después de un exhaustivo proceso de remodelación.

El acervo del MUNAL es de más de 3,000 piezas y la lógica del recorrido obedece a tres ejes temáticos:
a) Asimilación de occidente: de 1550 a 1821
b) Construcción de una nación: de 1810 a 1821
c) Estrategias plásticas para un México moderno: de 1910 a 1955
A lo largo de estas salas, el visitante puede conocer piezas y artistas de todos lo periodos artísticos: desde al arte novohispano, el clasicismo y los primeros alumnos de la Academia de San Carlos, hasta el modernismo y las últimas vanguardias de los años 50. También resulta interesante el poder observar caricaturas de la época porfiriana, fotografía y diseño editorial de los primeros años del siglo XX, así como una sala interactiva en la que se explican algunos de los fundamentos básicos de la imagen como composición, color y dinamismo.

El Palacio de Comunicaciones y la Plaza Tolsá
La magnificencia arquitectónica del edificio que hoy alberga al MUNAl, se le debe al italiano Silvio Contri, quien fue contratado por el gobierno mexicano el 11 de junio de 1902 para iniciar su contrucción en 1904. El palacio fue designado para ser la sede de la Secretaría de Comunicaciones y Obras Públicas, y aunque años después cambió de oficinas, el inmueble fue usado para resguardar al Archivo General de la Nación hasta su traslado a Lecumberri.

Con la construcción del Palacio de Comunicaciones también se realizó la Plaza Tolsá, puesto que el Palacio de Minería (ubicado enfrente del MUNAL) y la estatua ecuestre de Carlos VI, son obras del renombrado arquitecto y escultor Manuel Tolsá. La plaza fue mandada a hacer en 1943 por el ingeniero Carlos Alonso, a fin de embellecer la facha oriente del Palacio de Comunicaciones.

Artistas del MUNAL
La historia plástica de México no sólo son los llamados “muralistas”; antes hubieron escultores y pintores que resaltaron en el medio por su técnica y talento. El visitante se asombrará también por la perfección alcanzada en las esculturas de los alumnos de la Academia de San Carlos, influenciadas por el arte clásico griego, representantes de un tema que hoy en día, aún nos atañe: la identidad nacional.

Algunos nombres destacados del MUNAL:

Juan de Mendoza
“La conversión de san Ignacio de Loyola”
Óleo sobre tela

Anónimo
“Cristo con la cruz a cuestas"
Óleo sobre tela

Juan Patricio Morlete Ruiz
“El corazón de María” (1759)

José María Labastida
“Libertas mexicana” (1827)
Vaciado en yeso con pátina

Juan Bellido
“La Academia de San Carlos premiando a sus alumnos” (1854)
Vaciado en yeso

Joaquín Ramírez
“El interior del arca de Noé” (1857)
Óleo sobre tela

Manuel Vilar
“Iturbide”(1850)

Manuel Ocaranza
“La flor muerta”(1868)
Óleo sobre tela

Ángel Zárraga
“Exvoto (san Sebastián)” (1910-1912)
Óleo sobre tela

Jesús F. Contreras
“Malgré tout (a pesar de todo” (1898)
Talla en mármol

Alberto Fuster
“Tríptico al maestro Justo Sierra”

Museo Nacional de Arte
Tacuba #8, Centro Histórico de la Ciudad de México
Entre las estaciones de metro Allende y Bellas Artes

Horario: martes a domingo de 10:30 hrs. a 17:30 hrs.

HOLY SHIT!

2010-02-04T00:48:00.000-08:00

El topo que quería saber quién se había hecho aquello en su cabeza
(The story of the little mole who went on search of whodunit)

Por: Werner Holzwarth (autor) y Wolf Erlbruch (ilustrador)

Temas escatológicos. Que levante la mano quien de niño jamás se rió con las palabras “popó”, “caca”, “mojón” o “mierda”. ¿Y qué pasaba durante la transición del pañal a la bacinica? Uno gritaba a mamá para avisar que ya había terminado y la valerosa acción de entrar al baño y tragarse nuestros pueriles olores la llevaban a exclamar: “fuchi” para carcajadas de nosotros.

Cuando se es niño todo lo referente al excremento y sus derivados provoca risa, desde el que se tira letales pedos ninjas en clase para horror de las niñas, hasta el que tiene unos incontenibles deseos de decir todo el tiempo “caca”. Aun siendo adultos, estos temas son la base de los chistes y anécdotas que tienen muertos de risa a todos: el que dejó aromatizado el elevador, la guapa que se rió y se le salió uno escandaloso, el niño que llevaba horas con el mismo pañal o el pedo más famoso de Lucerito que se tiró en “Siempre en domingo”.

Es interesante entonces que Werner Holzwarth haya concebido una historia escatológica para niños en el que un pequeño topo tiene que descubrir al culpable de haberle dejado una tremenda gracia en la cabeza.

"Algo muy extraño sucedió cuando el pequeño topo se asomó por su agujero para ver si ya había salido el sol".

(Aquello era gordo y marrón y se parecía un poco a una salchicha. Lo peor de todo es que le cayó al pequeño topo justo en la cabeza).

"¿Se puede saber quién se ha hecho esto en mi cabeza?, gritó enojado el pequeño topo".

(Pero era tan corto de vista que no pudo descubrir a nadie).

Es así como el topo le pregunta a una paloma, a un caballo, a un conejo y hasta un chivo cuyas bolitas de caca se parecen a sus caramelos favoritos, pero ninguna hez se parece a la que tiene en la cabeza. Finalmente, son unas moscas que prueban la popó quienes le revelan la identidad del malhechor y el topo, sumamente molesto, lo busca para confrontarlo.

La historia no sólo es divertida por la anécdota, tiene algo más valioso que la irreverencia escatológica. El topo es pequeño y su agresor evidentemente es más grande que él, sin embargo, eso no lo intimida para que vaya buscarlo y enfrente su problema. Un aspecto de suma importancia en la niñez y que muchas veces no se afronta apropiadamente pues los padres, en aras de proteger a sus hijos, les quitan aquello de la cabeza y no les dejan problemas que resolver por sus propios medios.

Una lectura disfrazada por los elementos hilarantes de la narración pero que sin duda, es fundamental para aquellos niños que temen enfrentarse a algo más grande que ellos.

Sobre el ilustrador:
Wolf Erlbruch fue galardonado en el 2006 con el Premio Andersen de Literatura Infantil y Juvenil en la modalidad de ilustración. Este año, la editorial Barbara Fiore sacó a la venta un calendario con sus mejores ilustraciones.

Referencias:
http://quaderns.balearweb.net/post/12770
http://flickr.com/photos/lynnola/2682102763/in/photostream/
http://revistababar.com/web/index.php?option=com_content&task=view&id=874&Itemid=48

¿Dónde viven los monstruos de Spike Jonze?

2010-02-04T00:44:00.000-08:00

EL LIBRO
A pesar de haber sido publicado en 1963, Donde viven los monstruos, de Maurice Sendak, aún es uno de los libros infantiles más vendidos. No sólo son las ilustraciones que le revelan al lector un mundo altamente imaginativo, es el conjunto de lo visual con la palabra que hilvanan una estética perfecta, armoniosa: "[…] ellos rugieron sus rugidos terribles y crujieron sus dientes terribles y movieron sus ojos terribles y mostraron sus garras terribles". Inclusive, para los lectores más pequeños, el juego lingüístico no pasa desapercibido.

La historia se centra en Max, un niño pequeño que es enviado a su cuarto sin cenar como castigo a sus travesuras:

“La noche que Max se puso su traje de lobo y comenzó a hacer una travesura tras otra, su madre le dijo “¡ERES UN MONSTRUO!” y Max le contestó “¡TE VOY A COMER!” y lo mandaron a la cama sin cenar.” Encerrado en su cuarto, decide embarcarse hacia un mundo fantasioso: la isla de las cosas salvajes, donde enfrenta sus miedos, opaca a los monstruos que viven ahí y termina convirtiéndose en el rey. No obstante, Max extraña a alguien que lo quiera como a nadie en el mundo y decide regresar a casa, donde la cena caliente aún lo está esperando.

Donde viven los monstruos causó mucha polémica con su primera publicación, pues los padres de familia estadounidenses se oponían al tratamiento poco ejemplar que Sendak le dio a Max: cometía travesuras, hacía lo que quería y al final terminó siendo recompensado. Sin embargo, el libro no sólo ganó la Medalla Caldecott o el American Book Award, terminó convirtiéndose en un clásico infantil y en una referencia obligada de los libros ilustrados para niños.

SPIKE JONZE
Spike Jonze no solo es un aclamado director de videos musicales (Chemical Brothers, Weezer, R.E.M, Beastie Boys, entre otros), en su trayectoria filmográfica también tiene obras como ¿Quieres ser John Malkovich? (1999) o El ladrón de orquídeas (2002). Sin duda, su ingenio es asombroso y lo demuestra en ésta última película, donde al lado del guionista Charlie Kauffman, realizan una adaptación libre sobre un libro que realmente habla sobre tecnicismos de orquídeas.
No obstante, desde hace uno o dos años, Jonze se ha enlistado en una misión aún más complicada: la adaptación al cine de

Algo que evidentemente es difícil de imaginar y no por lo más obvio, las ilustraciones, también entra en juego la sencillez narrativa del libro y la economía del lenguaje.

De entrada, debe suponerse que el trabajo de Spike Jonze será una adaptación libre, pues él tiene que sostener en 90 minutos una historia que carece de diálogos. Prueba de ello es una escena que puede verse en:
http://www.youtube.com/watch?v=Z46Yym346QA&feature=related

Max está caminando con uno de los monstruos y le pregunta si conoce algún truco; Harold, el monstruo, le responde que sí y le pide que lo golpee repetidamente con un palo en el estómago. Max se sorprende de que no le duelan sus golpes y Harold, creyendo que le ha ganado al niño, le pide que le enseñe un truco, entonces Max comienza a moverse como robot y Harold, desilusionado por la superioridad de Max, se va cabizbajo mientras piensa que el “robot es mejor”.

La escena es simpática, conmovedora, y aunque tiene diálogos que claramente no forman parte de la obra original, respeta la esencia juguetona de Max que le hace acreedor a la admiración de los monstruos de la isla. Habrá que ver como Spike Jonze resuelve la secuencia de ilustraciones en la que Max y las criaturas salvajes se divierten trepando árboles, bailando bajo la luna y obedeciéndolo para que al cabo de unas páginas, sea el mismo Max quien interrumpe la armonía con un texto de adultos: “¡Basta ya!” y ordenó a los monstruos que se fueran a la cama sin cenar”. Un momento muy interesante en el que el niño adopta el papel de su madre.

También hay otra cuestión a tomar en cuenta, y es que según este video:
http://www.youtube.com/watch?v=eG2h5NNO08M&feature=related
Y esta nota: http://www.cinetelia.com/2008/02/29-se-retrasa-el-estreno-de-where-the-wild-things-are.html, la Warner Bros retrasó el estreno de la película un año pensando en rehacerla con monstruos más “lindos”, pues al parecer, los niños salían llorando de la sala en las pruebas del test-screening. Ciertamente, Spike Jonze no es un director de películas infantiles y la apariencia de las criaturas respeta la estética original de Sendak, que a pesar de ser ilustraciones no tienen una apariencia amigable.

El estreno tentativo en México de Where the wild things are, se espera para el verano de este 2009.

Referencias:

Sendak, Maurice, Donde viven los monstruos, Alfaguara, España,1992.
Donde viven los monstruos, (Where the wild things are, Estados Unidos, 2008). Dirección: Spike Jonze.

*************************************************************************************************

Jueves, 26 de marzo de 2009

ACTUALIZACIÓN: ¡YA ESTÁ EL TRAILER!

Estas son algunas de las imágenes de la película. Para ver el trailer, haz clic en esta liga:

http://www.apple.com/trailers/wb/wherethewildthingsare/

EL CUENTO MÁS BREVE

2010-02-04T00:27:00.001-08:00

Un minuto antes de la medianoche, el reloj le preguntó si le tenía miedo a la brevedad, y los dientes le falsearon cuando supo que era cierto.
- Tiemblo de sólo pensarla- le dijo.
- ¿Por qué?
El color le volvió a lo que alguna vez fue piel, siempre odió auscultarse a sí mismo.
- La brevedad es ligereza, algo efímero, huele a nardos, todo lo que toca termina muriendo… pensar que pudiera instalarse en mí y extinguir lo que me importa, me aterra de una manera abrumadora. Que el talento, las personas, el pensamiento, las pasiones sean breves… porque al acabarse todo, nada queda. Sólo la soledad… eterna... eterna.
El cadáver sintió que se desmayaba, llevó sus manos descarnadas a un rostro sin lágrimas. El reloj, sin parar de marcar el tiempo, se limitó a responderle:
- La vida es tan precaria como uno. El miedo que te inspira la brevedad depende no de los segundos, sino de lo que eres. Un muerto que huye de su breve vida.
El minutero llegó a las doce. Sonó la alarma del reloj.
La brevedad llegó a su fin: 00:00 hrs.